Depuis le 4 septembre et jusqu’au 13 janvier 2019, le Musée Picasso Paris propose une toute nouvelle exposition. Après Guernica, les visiteurs vont pouvoir aller à la rencontre des nombreux chefs-d’oeuvre de Pablo Picasso. Connu particulièrement pour son cubisme, cette exposition offre tout un large panel de l’oeuvre du maître tout au long de son existence et explique en quelque sorte comment le mythe s’est créé et quelles ont été les grandes figures de son art.

L’exposition en elle-même est une forme de réflexion. Une réflexion sur l’artiste et son oeuvre mais aussi une réflexion sur le lien qui unit l’artiste à son modèle. Tous les artistes sont en quête de perfection. C’est sur ce point que la visite insiste, comment les œuvres de Picasso ont-elles été placées au rang d’icônes ? Comment est-il devenu celui que l’on connait aujourd’hui ? Evidemment, les réceptions critiques ont joué un rôle majeur. Se cache alors peut-être aussi une réflexion sur ce que nous-mêmes, spectateurs, décelons de ces œuvres, ce qu’elles éveillent en nous.

Ses dessins en début d’exposition sont très intéressants. On nous montre des ébauches, des autoportraits, un travail du corps comme le montre cette main. Très intéressant quand l’on sait l’importance des mains pour un artiste. C’est le symbole même de la création. On remarque aussi dans les autres dessins les grandes figures qui hanteront toutes l’oeuvre de Picasso comme le taureau.

Je suis toujours très surprise lorsque je vais voir une exposition au Musée Picasso Paris. Je découvre toujours des choses que je ne pensais pas possibles venant de l’artiste. Comme je le disais plus haut, Pablo Picasso est connu pour son cubisme, ses femmes qui pleurent, ses demoiselles d’Avignon déformées par la syphilis (parait-il !)… Mais on a tendance à oublier tout ce qu’il a fait à côté ou bien à ses tout débuts.

Ce tableau est vraiment impressionnant. Intitulé Science et Charité l’artiste n’a que 16 ans lorsqu’il le peint ! OUI OUI 16 ans ! Que faisions-nous à 16 ans ? 😛 (Je séchais les cours de sciences justement) A ce moment là, le jeune artiste est empreint au doute. Etudiant aux Beaux-Arts de Barcelone, il choisi ce genre de sujet très en vogue et utilise un style beaucoup trop réaliste et académique pour lui. Il ne cesse de le retravailler et de revenir dessus. J’ai du relire plusieurs fois le titre et le nom de l’artiste pour être sûre et certaine que c’était bien un tableau de Picasso. Assez incroyable car tellement différent de ce que l’on s’imagine toujours de lui. Pour la première fois exposée à Paris, cette toile montre à quel point déjà très jeune l’artiste excellait ! Il reçoit d’ailleurs une médaille d’or pour sa réalisation.

On peut considérer Picasso comme étant un inventeur et un testeur. Il cherchait sans cesse de nouveaux moyens d’expression. Peut-être une manière de se trouver lui-même, de trouver SON style, sa marque. D’ailleurs dans la salle juste à côté de l’oeuvre précédente hyper réaliste se trouve un chef-d’oeuvre incontestable : Les Demoiselles d’Avignon. Actuellement au Museum of Modern Art de New York depuis 1939, la toile ne voyage plus. Tout de même, le musée nous propose une reproduction signée Jacqueline de La Baume-Durrbach et validée par Picasso lui même : « Tellement mieux que la première ».

Cette toile est d’ailleurs considérée comme la première oeuvre cubiste de l’artiste. Elle est donc accompagnée de courriers, critiques et avis. Elle est volontairement scandaleuse et provocante. Ces femmes nues se tenant debout devant un rideau, posant derrière une vitrine … Ça fait penser au Quartier Rouge d’Amsterdam ! Haha Ce sont clairement des prostituées, certaines sont atteintes de maladies comme le symbolisent leur visage plus que déformé.

On retrouve aussi des études qui explique le processus de sa création. Il est étonnant de voir que Picasso se servait de modèles masculins pour créer ses demoiselles d’Avignon. Il me semble d’ailleurs qu’il souhaitait intégrer un homme dans la scène. L’artiste s’inspire aussi fortement des masques africains.

On arrive ensuite à ma salle préférée, celle dédiée au personnage de l’arlequin. Figure majeure de toute son oeuvre, on le retrouve aussi dans une série. Pablo Picasso teste un nouveau genre de portrait et met en scène le peintre espagnol Jacinto Salvadó tout en gardant les caractéristiques de ce personnage typique de la comédia dell’arte !

Censé être joyeux et amusant, l’arlequin de Picasso se préfère mélancolique, pensif, avec un regard porté au loin. Ça peut très certainement vouloir révéler quelque chose sur l’artiste qui s’identifie beaucoup à cette figure…

Arrivent ensuite les célèbres baigneuses. Bien différentes de celles d’Ingres, loin d’être belles et sensuelles, celles de Picasso sont plutôt monstrueuses. Les corps encore une fois sont volontairement déformés. Ici l’artiste fait écho à ce qu’il se passe dans sa ville natale, à Malaga en 1937, envahit par les troupes nationalistes.

Comme tous les artistes, Picasso trouvait aussi son inspiration dans les femmes qui l’entouraient. De la danseuse Olga Kokhlova à la photographe Dora Maar, toutes ont eu droit à leur portrait. Le quotidien devient un puit d’inspiration et permet à l’artiste de se perfectionner et de tester de nouvelles choses comme le collage par exemple.

Pablo Picasso s’est même essayé à la sculpture. La scénographie de cette salle est d’ailleurs super cool je trouve avec l’artiste derrière qui jette une regard sur ses propres œuvres. Cette disposition fait écho au fait qu’il disposait ses sculptures dans son jardin. Elles sont de plus très intimes comme le prouve le Petit cheval qu’il a réalisé pour son petit-fils…

D’autres figures et œuvres emblématiques sont à retrouver dans l’exposition « Les Chefs-d’oeuvre de Picasso ». J’ai souhaité partager avec vous mes préférées ! C’est une exposition vraiment très riche en tout point. En plus de retrouver des œuvres, on nous propose aussi des photographies, des lettres, des magazines, des coupures de presse afin de montrer à quel point les créations de Picasso faisait parler. Les journaux participaient clairement à l’ascension de ces œuvres d’art de la même manière qu’aujourd’hui. Pouvant parfois créer le scandale comme Les Demoiselles d’Avignon, le plus important n’était-il pas quand même de faire parler ? En bien ou en mal…

La réflexion sur le lien entre artiste / oeuvre / modèle me parle beaucoup en tout cas. Je trouve qu’il y a quelque chose de très spirituel à cela. C’est comme si l’artiste mettait dans ses œuvres un petit bout de son âme. Il n’hésite pas à mettre en scène des gens de sa famille, ce qui tout de suite rend les choses beaucoup plus intimes et réelles. Il n’hésite pas non plus à s’identifier à ses personnages, à aborder des sujets dures comme la guerre, comme si l’art était son exutoire.

J’ai de plus pris le temps d’aller découvrir l’exposition permanente et quelle surprise ! J’étais tellement étonnée de découvrir toutes ces toiles. Je suis pourtant venue plusieurs fois dans ce musée mais je ne sais pas du tout pourquoi je ne suis jamais allée découvrir l’expo permanente ! Bon, mieux vaut tard que jamais ! En tout cas, ce qui est sûr, c’est que ce musée vaut vraiment le coup d’œil ! 😉

Je vous laisse donc avec cet autoportrait de Rembrandt. Cet artiste a marqué l’oeuvre de Picasso, pour lui c’était LE génie indéniable, celui qui l’inspirait ! Il appréciait particulièrement son travail des portraits. Personnellement, je ne savais pas du tout qu’il y avait un lien si fort entre ces deux hommes. J’ai d’ailleurs trouvé cela assez étonnant. Comme quoi, cette exposition cache bien des surprises… 😉

Quelle est l’oeuvre de Pablo Picasso que vous préférez et pourquoi ? Je l’ai déjà dis dans un autre article il me semble mais personnellement, j’ai un certain penchant pour ses pleureuses… 😉

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